Chronique cannoise #1. Affaire de famille, main baladeuse et brouillard glacial
Alléluia, Cannes est de retour : son festival du film (et des sélections cette année bien équilibrées entre abonnés et nouveaux membres qui s’invitent au carré VIP) et ses à-côté qui font tant fantasmer. Mais soyez rassurés, ça se résume pour le commun des mortels badgés à courir après des cartons, des listes à la con et à instagramer sa tête à raie mal peignée en premier plan d’une star de pacotille. Le champagne est certes gratuit, mais les petits fours sont secs, on est toujours super serrés, sans vraiment savoir où se foutre. Ce qui est sur, c’est qu’un tel marathon finit implacablement par vous sucer toute votre énergie bienveillante. Le ciel est pour l’instant dégagé, bientôt orageux et pluvieux, grosse panique chez le rooftoopeur en mal de poudre. Mais personnellement, je m’en branle massivement, car ma vie cannoise va désormais s’articuler entre le noir des salles, et la nuit un peu moins sombre des lieux de perdition sentant le simili-cuir et le plaqué or. Ca commence par une énigme codée du type « escape game entre collègue dans la banlieue du Val d’Oise » pour récupérer la clé du Airbnb, découvrir forcément qu’on s’est fait enfler vu le virement payé et la taille du taudis puis déjà courir pour choper son accréditation. Bienvenue au 72ièmefestival de Cannes les amis, on va essayer de se marrer, et surtout partir en quête de nos palmes d’or, rarement ceux d’un jury qui choisira encore un film politisé plutôt qu’une œuvre artistique à part entière. C’est parti !
Je ne sais guère si c’est une anxiosité débordante d’énergie ou une maturité finalement trouvée d’un festivalier expérimenté (mon 5ieme, je commence à naviguer à vue, et parler comme un vieux routard), mais 45 minutes après avoir récupéré mon accréditation, je suis déjà installé dans un fauteuil rouge. Et c’est pour découvrir le premier film de Monia Chokri « La femme de mon frère » (sélection Un certain regard) appréciée en tant qu’actrice chez Dolan (Laurence Anyways, Les Amours imaginaires). Comme tout premier film, c’est foutraque, ça part dans tous les sens et ça accumule les idées de mise en scène pour les glisser parfois bien maladroitement dans un scénario en roue libre. De manière très fine, c’est l’éjaculateur précoce à son dépucelage, on veut tellement en mettre pour sa première…Bref, Sophia, une trentenaire paumée, nihiliste, qui déteste les chiards qui tètent, ses amis enceintes et la mièvrerie des sentiments primaires, doctorante, surqualifiée mais sans expérience. Son masque à oxygène, son frère Karim, mêmes vannes, même ironie passive-agressive. Jusqu’à sa rencontre avec Eloise, petite blondasse médecin toute parfaite avec ces grains de beautés parfaitement dessinés. Et le frérot tombe amoureux, délaisse sa sœurette en détresse qui finit par s’accrocher à un looseur bedonnant, en mal de capillarité et qui adore les devinettes. Le rythme est dingue, les punch-lines s’enchaînent, et c’est une déferlante de clichés avec lesquels jouent Chokri qui s’entrechoquent dans un brouhaha incessant mais plus que plaisant. Car moderne, et tellement rafraichissant. Anne Elisabeth Bossé est formidable, et malgré un message pas toujours évident à lire entre le jeu des clichés, et l’appel un peu bateau à la diversité culturelle, cela fait un bien fou de voir un film québécois sans la prétention dolanienne qui l’a contamine. Belle première surprise.
Délaissant volontairement la sélection officielle pour ce premier jour, je me rends à la Semaine de la critique pour découvrir « A White, white day » de Hlynur Pàlmason.Dans le brouillard islandais, le flic du coin, grand gaillard allure viking apprend peu à peu à accepter la mort de sa femme, grâce notamment à l’omniprésence de sa petite fille. Une maison se construit, et la vie évolue au rythme du film : très, très lentement. C’est pesant, lourd, les plans sont interminables. Mais l’on comprend alors que la mise en scène à l’image de son personnage principal, glacial et introspectif, prépare le twist qui fera glisser le film vers une violence physique mais surtout intérieure. Et c’est son regard qui finalement nous touche dans la dernière demi-heure, celui d’un veuf épuisé, blessé. Le tout reste décevant, on reste planté dans ce brouillard esthétique sans tension, et à force de vouloir glacer le spectateur ont fini par le pétrifier. Annonciateur d’une météo qui se gâte.
Mais que se passe-t-il cette année ? Soit c’est une impression erronée car la presse est de nouveau avantagée après un recul des privilèges l’année dernière, mais j’ai une sensation de vide. Peu de mondes, les rues clairsemés, les salles pas pleines, l’attente bien plus courte. La plage également s’est clairsemée, la Villa Schweepes disparue, le Mouton cadet Wine Bar sans baston pour les huîtres (hier, on a écouté avec plaisir Owlle), le Silencio migré à Cannes devenu un minuscule club disco (la chanteuse Corinne a investi les lieux en maître de cérémonie, on a vu Fishback au platine hier) contrairement à la grandiloquence des années précédentes, l’équipe de La Clique de nouveau absente, et une plage Magnum peuplée de ricains (hier, c’était l’ouverture, on a croisé Aya Nakamura, et écouté Kiddy Smile). Mais où sont les parigos bordels ? On est paumé ! Heureusement que le champagne et les délices glacés sont là pour apaiser notre état anxio-depressif de loup solitaire. Alors forcement, la fête est écourtée et c’est bien sagement que je rentre pour un levé très matinal demain.
Quoi ? Mon réveil sonne à 7h15. Quelle violence ! Je m’évite le Twitter pour banir les mauvaises ondes et opinions tranchées. Et surtout, ne jamais me faire regretter un réveil si matinal pour découvrir un film potentiellement mauvais. Énormément d’attente autour d’ « Atlantique » de la réalisatrice Mati Diop. Ça donne quoi ? Ada tombe amoureuse d’un ouvrier, alors même que son mariage arrangé arrive. Impayé au boulot, lui et son équipe décide de rejoindre l’Espagne en pirogue. Emportés par une tempête, leurs corps périrent en mer. Mais pas leurs esprits qui viendront hanter le patron malhonnête, déboussoler puis bouleverser Ada, par un amour retrouvé. Le drame se transforme donc en film genré improbable, venant ainsi casser les codes dramatiques. Le film n’est pas mauvais, il est sauvé en parti par sa dernière demi-heure qui porte la trame, avec une liaison amoureuse métaphorique par l’image, consommée à travers le miroir, qui rend ainsi le propos du film bien plus pertinent. On reste cependant déçu de bien nombreuses maladresses, à la limite de la prétention et du copy-cat Claire Denis.
Il fallait donc retourner à la Semaine de la critique pour enfin succomber au premier coup de cœur cannois. « J’ai perdu mon corps » de Jeremy Clapinest un film d’animation qui retrace la vie d’un jeune homme, de son enfance à son adolescence, puis son entrée dans l’âge adulte, à travers des flash-backs et surtout le chemin de croix de sa main pour le retrouver. Qué ? Oui, dans un accident de travail, notre héros moderne perd une main, cette même main donc qui s’échappera des frigos de l’hôpital pour le retrouver. A travers la superbe des traits du dessin, une musique originale magistrale de Dan Levy, Jeremy Clapin après plus de 6 ans de travail dresse un film magistral. Des séquences d’une intensité folle (cette main en face à face avec des rats dans le métro) s’adoucissent par une romance improbable, mais dirigés par des sentiments bien réels. On pleure, on s’accroche au siège et surtout, l’on ressort revitaliser par une force cinématographique rare, percutante. « J’ai perdu mon corps » sera j’en suis déjà persuadé un futur carton en salle. Il le doit. Quelle poésie amenée avec une telle et rare délicatesse. Un plaisir total.
Chronique cannoise #2. Uberisation, cotte de mailles et sado-masochisme
En cette seconde soirée cannoise, je vogue du côté de Nomade, lieu éphémère sur le rooftop du Five Seasons hôtel, à deux pas du Palais. Comme l’année dernière, c’est une furie, on retrouve les habitués, les mêmes bourrés et par chance, le chemin de Karim, second rôle dans le film des frères Dardennes avec qui l’échange entre 2 gin tonic fut fort enrichissant : la rigueur magistrale de leur travail, son casting particulier, l’approche réaliste du jeu d’acteur. Et pour lui, c’est la Palme ! Je lui rappelle que le film de Pedro Almodovarest en tête des pronostics, ce choix serait politiquement correcte et donc très cannois d’offrir sa première palme pour son film « Douleur et Gloire », auto-biopic, avec Antonio Banderas dans son propre rôle. Mais passons, le piano s’enflamma comme l’année dernière et une poignée d’éméchés mués en ténors nocturnes chantent Bohemian Rhapsody, pendant qu’un jeune producteur me pitch son prochain film : un champion de pâtisserie passé par l’école de la vie (genre je vis dans la rue, mes parents sont morts). Prometteur…Enfin je crois. Bref, de bien belles rencontres sur le rooftop le plus animé de la quinzaine, assurément.
Que vaut le dernier Ken Loach? Pas de surprise, il reste maître d’un cinéma réaliste, humble, porté d’un message toujours nécessaire et dépeignant parfaitement les dérives du monde du travail (comme le palmé « Moi, Daniel Blake » avant lui). Dans « Sorry, we missed you »,on s’immisce dans une famille anglaise où les dettes s’accumulent, le père pour tenter de s’en sortir s’engage dans un Uber de la livraison, avec son message superficiel si positif, et d’une violence âpre dans son fonctionnement intérieure : chaque retard se paye par une sanction, les coursiers travaillent 14 heures par jour, dans des conditions déplorables. La femme d’une humanité bouleversante est aide-ménagère à domicile pour les personnes handicapés, la fille en élève modèle intériorise sa tristesse pendant que le fils l’extériorise par une crise d’ado bien corsée (ca sèche et tague les murs). Et c’est bien lui l’élément central à travers duquel les relations s’embrasent puis s’apaisent et finissent par s’effondrer d’un espoir envolé. Loach fait du Loach, et même si notre chère contrée française semble tenir bond contre la protection de l’emploi en comparaison de nos voisins européens, il n’en reste pas moins que l’aliénation de l’humain au travail par le fantasme de l’indépendance est très en vogue. Et encore une fois, le cinéma de Ken Loach sans être transcendant, est indispensable.
Que j’avais aimé « Ma Loute » en sélection officielle il y a 3 ans, le créateur du « P’tit Quinquin » Bruno Dumont revient cette année avec « Jeanne »(Un certain regard). Cette première scène, le regard perçant de la jeune Jeanne d’Arc jouée par la fabuleuse Lise Leplat Prudhomme sur la voix subtilement raillée de Christophe est un moment d’une rare beauté. Il met en scène l’histoire de Jeanne d’Arc, de ses combats contre les anglais en passant par son procès puis sa mort à travers une mise en scène minimaliste. Et que c’est réussi, c’est du pur Bruno Dumont : ses terres vierges du Nord de la France, des acteurs amateurs au jeu théâtral et caricatural, une fresque historique à faire ricaner par son amateurisme. Mais bien entendu, tout y est poussé à l’extrême et fait avec une telle ironie et un sens de l’humour, que tout devient délicieux. On se perd, parfois même la tendance est aux yeux qui se ferment, et puis une nouvelle envolée poétique nous recapture. C’est un va et vient incessant entre poésie burlesque, moment de grâce, et dialogues en longueur. Bruno Dumont est un de ces rares réalisateurs qui savent marquer une empreinte indélébile à sa mise en scène, créer un objet unique, critiquable mais magnifiquement singulier, comme toutes ses gueules cassées qu’ils aiment tant filmer.
Second film de la journée dans la sélection Un certain regard, le très attendu « Liberté »de Albert Serra, apprécié grâce à l’excellent « La mort de Louis XIV » en 2016, avec une performance magistrale de Jean Pierre Léaud en roi de France. Une poignée de peruqués exclue de la cour du roi de France se retrouve à organiser du libertinage out-door dans des contrées boisées allemandes. Le film est un (très) long huit-clos extérieur, des scènes de sexes sans saveur malgré l’acharnement entrepris (scato, léchage d’anus, urine à gogo, sado-masochisme au fouet et à la branche d’arbre, et j’en passe) s’enchainent dans une prétention cinématographique dépassant totalement son auteur. Ca se pignolle dans une photographie laide, la lumière est fausse, sur-exposées et surtout artificielle, l’excitation perverse souhaitée est remplacée par un long malaise qui viendra mourir après plus de 2 heures dans des applaudissements plus que discrets. Je ne comprends pas le sens du film, il n’y a ni poésie ni dans un autre sens de provocation insoutenable, on reste perché dans un équilibre branlant qui peut paraître excitant lors de la première demi-heure (les sexes sont remplacés par des bouts de cotons, un vrai jeu sexuel s’installe entre les libertins sauvages) mais qui très rapidement s’effondre dans une vacuité pesante. C’est un vrai échec, un voyage, malgré encore une fois tous les efforts entrepris pour tenter de nous secouer, bien terne.
Chronique cannoise #3. Adultère, voguing et sifflotement
Netflix est bien mis à la porte, mais Amazon Studio réussi encore à se faufiler avec la présentation des deux premiers épisodes de « Too old to die young »de Nicolas W. Refn (Neon Demon, Drive). Martin, et sa tête du parfait sociopathe, a une double vie, entre flic à chemise et tueurs à gage pour la pègre de Los Angeles. Il part en guerre contre les crevures de notre société, violeurs et pédophiles en tête de liste dans une quête de sang et d’une justice féodale difficilement lisible pour le moment. A l’image du travail de Refn, la mise en scène est géométrique, froide, la caméra est millimétrée, le rythme est lent et posé avec style dans un sens de l’esthétique propre : la photographe jaunissante dans les lueurs des feux rouges, une violence crue sans adoucissant, la bande-son qui martèle le sang-froid des balles qui sifflent. C’est fort, c’est beau, ça peut agacer le classiciste en mal de drames à claques à la française mais moi j’aime l’idée de cet objet esthétique singulier : les deux premiers épisodes posent le sujet, il en restera 8 à être diffusé par Amazon. Je suis convaincu que la série et son format pourront conquérir de nombreux autres grands réalisateurs, avec cette possibilité unique d’installer une mise en scène sur la longueur et développer un personnage dans toute sa profondeur. « Too old to die young » est une petite bombe à retardement, on voit en deux épisodes se dessiner une réussite certaine en 10. Sans être révolutionnaire, cette approche de la série comme l’ont fait Campion, Lynch en précurseur, les frères Cohen ou encore David Fincher prouve le futur d’un tel format par de rands cinéastes. On peut je crois et sans être trop élitiste et obtu, s’en réjouir.
La soirée Orange, la soirée France Télévisions, la terrasse UGC, la fête du film de Lelouche : et bien rien. Il pleut des cordes, il fait froid, les rues sont détrempées, et je suis crevé. Autant dire que ce petit Mac Do au fond de la couette un samedi soir à Cannes, c’est un de mes actes les plus anarchiques de mes trente dernières années. Fuck open bar et champagne, welcome Badoit et petit LU. A mi-parcours, le bilan est assez pauvre. Pas encore de claque comme on aime tant en ressentir durant ke festival. Allez, on y croit. Il nous reste quelques jours.
Première projection du matin avec « Les siffleurs», film roumain de Corneliu Porumboiu, en sélection officielle. L’histoire est d’allure banale, un flic ripou en équilibre entre une mafia espagnole le payant gracieusement pour ses informations, et sa boss flic qui découvre son secret et tente à son tour de le convertir à sa cause. Au delà d’un drame policier basique, « Les siffleurs » questionnent sur la communication : Christi est surveillé, épié par l’image et les caméras de surveillance qui accompagnent sa vie quotidiennement. Il débarque aux Canaries pour apprendre avec la pègre espagnole le sifflement comme langage, chaque voyelle est un son, en découlent des mots et permettre ainsi une communication sans risque. Cette virevolte scénaristique brillante s’accompagne d’une bande-son porteuse (De Iggy Pop à Radzitsky) qui habille souvent avec un humour juste les multiples rebondissements d’une histoire un peu bancale. Porumboiu s’amuse par des références au film de genre (Hitchcock, James Bond) et offre avec « Les siffleurs » un film réussi, juste, mais bien loin de soulevée les foules, comme je me rappelle avec nostalgie de fabuleux Toni Erdman, de Maren Ade qui est d’ailleurs productrice du film. Malgré certaines belles idées de mise en scène, le film ne décolle pas et reste à la seule place qu’il puisse mériter, au mieux un prix du meilleur scénario.
Du voguing à Harlem, ça branche comme pitch. J’enchaine alors avec « Port Authority »de Danielle Lessovitz (un Certain regard). Un vingtenaire débarque à New-York, paumé, et délaissé par une demi-sœur absente. Il se retrouve à la rue, et aidé par un ringard à gonflette qui l’héberge dans un centre pour SDF et lui file un petit job de salopiot : déloger les locataires mauvais payeurs. Face à cette figure homophobe très caverneuse, Paul fait le grand écart et traine avec une communauté queer à donf ‘ dans le voguing. Il fait la rencontre de Wye, l’amour est grandissant puis mis à l’épreuve lorsqu’il découvre que Wye est trans. Le sujet est si vaste, l’univers si riche et entrainant (les compétitions de voguing à Harlem, la scène du « ballroom »), la confrontation si belle entre un amour sincère face au préjugées et idées reçues dictées par une société hétéronormée. Mais malheureusement, le film sonne creux et plat. Lorsque l’on commence à peine à s’immiscer dans le cœur de cette relation, il est déjà trop tard, et le film s’achève d’un goût d’inachevé. Et je ressens une vague de frustration, car films après films, la déception prévaut. Car tout (ou presque) est tiède ou convenu. Avec un tel sujet, « Port Authority » aurait pu être un grand film, il n’est malheureusement qu’anecdotique.
Petite parenthèse musicale désormais avec le concert de Pépitechez Nomade, lieu éphémère sur le toit du Five Seasons Hôtel. Très intimiste, devant une poignée de bar-mans en descente et quelques fans qui finissent les textes du bout des lèvres, on apprécie ce berceau pop romantique qui tente comme il peut d’extirper notre morosité pluvieuse. De la pluie, encore et encore, ininterrompue, sans cesse. Et ce n’est pas la coupette offerte qui va nous faire changer d’avis. Une sieste et on conclue la soirée par le nouveau film de Christophe Honoré, « Chambre 212 ». Après que Thierry Frémaux se vante de la qualification de Lyon en ligue des champions enchainant par une présentation haute en couleur de l’équipe du film, on se sent tout de suite en famille, confortable, bien à l’aise face à un cinéma de Honoré parfaitement maitrisé, jouant avec sa caméra par effets de style, dans un burlesque quasi anglo-saxon mais des rhétoriques bien françaises. Après 25 ans de mariage et la routine destructrice, Maria (jouée par Chiara Mastroianni) trompe son mari (Benjamin Biolay) pour un jeune étudiant au nom évocateur d’Astrobald. Elle décide de faire le point sur vie maritale en s’isolant à l’hôtel d’en face, dans la chambre 212 (jolie blague, c’est le numéro de code civil lu lors du mariage). Pensant se retrouver seule, elle ne sera pas, car des figures du passé viendront lui demander des comptes : son mari à l’âge de 25 ans (Vincent Lacoste), sa conscience représentée par un (faux) sosie de Charles Aznavour et enfin l’amour de jeunesse de son mari (Camille Cottin). Ce quatuor si à l’aise ensemble se balade dans une mise en scène ingénieuse, allégeant par son rythme le propos parfois lourd et triste du film. Cette introspection métaphoriquement représentée par des personnages est si drôle, et si intelligemment écrite, que l’on se réconcilie avec un Christophe Honoré retrouvé après l’excellent « Plaire, Aimer et courir vite » l’année dernière avec déjà Vincent Lacoste. Un film a dévoré comme une sucrerie piquante au fond coulant, sans modération.
Chronique cannoise #4. Sorcières, #metoo et montagnes autrichiennes
Il est clair que ce dernier Moscow Mule siroté en furie au Silencioétait une grave erreur, après ma danse endiablée un brin malaisante. La barre au front, il faut s’extirper du lit, et pas pour n’importe quel film : Lux Aeterna de Gaspard Noé. Je pense que c’est le pire choix post gueule de bois imaginable, je m’inquiète d’une probable crise d’épilepsie à la bouche mousseuse en pleine séance. Espérons que non. Sous un très court format (50 minutes), Gaspard Noé filme Béatrice Dalle dans son propre rôle, réalisant son premier long métrage, une histoire de sorcière et de bûcher, avec en guest Charlotte Gainsbourg. Et c’est la grosse cata : complètement dépassée et hystérique, Dalle brasse du vent en gueulant sur ces équipes, tout en se faisant shooter dans le dos par des producteurs qui veulent la virer, les acteurs sont complètement paumés, sans aucune direction artistique. De longs plans séquences s’enchaînent dans des décors cartons-pates de cinéma, de la froideur d’une morgue à la chaleur d’un feu de cheminée dans un brouhaha ininterrompu de critique assassine, du maquilleur au costumier. L’ambiance se tend, s’alourdit, le rythme du film tend vers une trame quasi-horrifique. Une scène va se tourner : 3 sorcières en lunettes de soleil, attachées au bûcher, acceptant l’inacceptable d’une mort certaine. Un bug technique vient alors twister le film dans un vacarme épileptique angoissant, et une violence stroboscopique à couleurs qui fait décoller la tension cardiaque. On finit à bout de souffle, à deux doigts de détourner le regard pour survivre. Lux Aeterna est un objet cinématographique puissant, unique, et confirme Gaspard Noé comme un expérimentateur brillant, qui ne cesse de renouveler sa vision du monde (ici, athéiste).
On retourne à la sélection Un certain regard avec le film taïwanais « Nina Wu » de Midi Z, qui commence avec du retard car Tarantino est à la bourre, lui qui voulait absolument assister à la projection. Midi Z nous explique à quel point il a été compliqué de monter ce film, la raison paraît évidente par son sujet très délicat. On découvre ici le traumatisme psychologique immense subi par une jeune actrice après s’être fait violer par le producteur du film pour décrocher un rôle qui bouleversera sa carrière. Ça vous rappelle quelqu’un ? Et oui, l’affaire Weinstein est indirectement le sujet principal de Nina Wu (le nom de cette jeune actrice) et la déferlante #Metoo qui a suivi. Loin d’attaquer le sujet par un ton démagogique et bien-pensant, Midi Z installe d’abord son personnage, sa vie, son ex-copine restée à la campagne, la difficulté d’assumer une relation lesbienne, sa mère tombée malade et cette ascension sociale par le fameux rôle. Et puis, par des flash-backs entre réalité alternée et cauchemars au réveils brutaux, on découvre une porte d’hôtel, des femmes en robe rouge, des bruits étranges et inquiétants, un verre qui se brise, des cris de chiens. La pelote se défile peu à peu, et l’on comprend le traumatisme immonde qu’elle a subi, et qui continue de la hanter. D’un sujet grave et donc d’actualité, Midi Z joue la carte de la déroute psychologique, la perte des repères, et les conséquences mentales d’un corps souillé. Le film est une vraie réussite, la mise en scène mature et remplie de finesse par ce jeu psychologique pervers choque, et amène une sensation de répulsion, voir de dégoût face à cette attitude du producteur dominant qui sonne malheureusement comme une réalité actuelle.
Terrence Malick est le réalisateur d’une vie, celui par qui ma perception et mon regard sur le cinéma ont changé, et a fortiori, celui sur le monde qui nous entoure. Son cinéma a tant évolué depuis son premier film « La Balade sauvage » mais garde des marqueurs forts (transcendantalisme, montage, voix off, spiritualité). Après sa trilogie amoureuse intimiste conclue de toute beauté avec « Song to song », certains ignorant criaient à la sénilité du plus grand metteur en scène encore sur pieds. La plupart sont aujourd’hui entrain de retourner leur veste. Car « Une vie cachée » est un chef d’œuvre, et mérite une palme d’or face à l’immensité d’une œuvre bouleversante. Il est donc bien délicat pour moi d’établir une critique détaillée, tant un tel film doit se revoir et se maturer pour en tirer sa quintessence. Franz est un paysan des montagnes autrichiennes. Son pays est en guerre, Adolph Hitler est au pouvoir. Mais il ne supporte pas l’idéologie raciste sur national socialisme. Il refuse de faire allégeance au Führer. Il est alors débarqué de sa famille, déclaré traître et déserteur puis emprisonné avant son jugement. Malick filme la nature, la terre comme racine indélébile, appuie comme dans chacun de ses films sur son caractère immuable, les hautes herbes resteront les mêmes en dansant au vent avant, pendant et après la guerre des hommes. Mais par le biais de cette histoire vraie de la seconde guerre mondiale, d’une main magistrale, il filme le pouvoir du non, du refus de collaboration avec l’ « anti-christ ». Il n’a pourtant qu’un simple papier à signer pour littéralement sauver sa tête (sa condamnation est à la mort par guillotine). Son refus idéologique est un signe d’espoir optimiste en l’humanité face à la déchéance de la xénophobie. La photographie est fantastique, les lumières naturelles baignent les montagnes enneigées autrichiennes, la voix-off est une interrogation directe de Malick au spectateur, un appel profond à la réflexion sur sa propre spiritualité, son rapport à l’autre, et à Lui. Il serait simpliste de tacler Malick sur le terrain du pro-curé en soutane, ses interrogations dépassant toute notion de religion à proprement dit. Et ce chemin de croix, mélangeant l’allemand et l’anglais est bien universel et brise chaque frontière archaïque de pensée. Difficile de comparer « Une vie cachée » avec « Tree Of Life » même si les marqueurs sont communs, mais il est clair que Malick revient en force avec un film sublime, déchirant, et qui redonne vie comme personne en une notion d’espoir pour le futur de notre monde en crise. Il serait donc si beau de le voir recevoir sa seconde palme d’or.
C’est la dernière soirée cannoise pour moi. Une pizza froide à 20 euros à 1h du matin et un demi suffiront à mon plaisir. Et une nuit, qui sera, encore une fois, écourtée par la première projection du matin. Cannes est un marathon, je crois que je suis en pleine fringale. Le beau temps s’annonce pour mon départ. La loose.
Chronique cannoise #5. Radicalisation, pattes d’éléphants et conclusion
C’est ma dernière (demi) journée à Cannes, d’un côté le tristesse prévaut et cette sensation d’abandon de poste, de l’autre une certaine délivrance tant la succession de séances, de sandwichs au thon qui coulent dans les files d’attentes et un sommeil loin d’être réparateur finissent rapidement à décharger sa vitalité débordante de début de festival. Pour ce final, j’ai décidé de revenir à la sélection officielle avec le film des frères Dardennes, « Le jeune Ahmed ».Ahmed est un jeune écolier de Bruxelles, de prophétie musulmane, mais sa rencontre avec un Imam radicalisé et la fascination pour un cousin mort pour le Djiah le font basculer vers l’islamisme radical : il insulte sa sœur de pute, sa mère d’alcoolique, refuse de serrer la main aux femmes. Jusqu’à un épisode dramatique où il décide d’attaquer physiquement une éducatrice qui a tenté d’ouvrir la langue arabe à son éducation par la musique et plus uniquement par le Coran. Cette démarche est vue comme une trahison par Ahmed qui bascule alors dans la violence. S’en suit alors une succession de personnages tentant de ramener le jeune belge à la raison (une jeune fille qui tombe amoureuse, des agriculteurs, éducateurs). Toujours par le biais d’un cinéma réaliste, direct, humble par sa forme mais d’une richesse immense par ses messages, les frères Dardennes tapent généralement juste. Il en va de même avec ce « Jeune Ahmed » qui a la qualité de parler d’un tel sujet aussi complexe qu’est la la radicalisation religieuse par le penchant humaniste, une critique indirecte d’une société qui abandonne sa jeunesse à la dangerosité du lavage de cerveau. Si naïf, en manque d’esprit critique, tous les éléments extérieurs se remuent pour lui faire ouvrir les yeux, mais c’est bien un traumatisme intérieur qui pourra peut-être le faire évoluer. Fil rouge du festival, aucun metteurs en scène de cette sélection officielle ne se mettent réellement en danger, et produisent ainsi des œuvres qu’ils maitrisent. Les films sont donc réussis, mais il n’y a ni surprise, ni envolée. Il en va de même avec ce « Jeune Ahmed », réussi certainement, mais sans surprise.
Moi qui ne supporte pas la prétention malaisante de Nicolas Bedos, souvent croisé bien mal en point de confiance personnelle à Paris, je me surprends à tenter l’impensable, découvrir son premier long métrage, « La Belle époque » (en hors-compétition).Lui qui n’est ni drôle, ni intéressant, un provocateur sans rhétorique, un fêtard qui arrive toujours trop tard. Et pourtant. Sa « Belle époque » est une réelle surprise, vent de fraicheur entre les drames cannois, il est « Le grand bain » de 2019, forcément un futur succès en salle, et une comédie dramatique française réussie. Un couple de retraité se gueule dessus, elle, Fanny Ardant, trompe son mari pour un plus jeune. Lui, Daniel Auteuil, un dessinateur en déclin, qui ne fait plus grand chose de sa vie à part se plaindre comme un vieux con des avancées technologiques qui le dépassent. Leur fils, golden boy bien peigné, tente un coup de poker, et envoie son père dans une société de divertissement d’un ami d’enfance (Guillaume Canet). Cette société propose de recréer en studio de cinéma un moment de sa vie que l’on aimerait revivre. Auteuil décide alors le moment de sa rencontre avec sa femme, en 1974, dans un café nommé « Belle époque ». Tout y est : les costumes, les acteurs, les décors pour recréer l’ambiance si particulière des années 70 et le faire replonger à ses 25 ans, Canet manageant le tout derrière les vitres sans teint, et hurlant dans les oreillettes des acteurs. Dans un rythme soutenu avec des vannes qui fusent, des histoires se démêlent, s’en-mêlent, les situations improbables font marrer. Et c’est dans ce mix entre « The True Man show » mais qui saurait qu’il est dans une émission, et un « Westworld » version low-cost que se balade un Daniel Auteuil au sommet, arrivant même à nous tirer des larmes en fin de film. Entre le Malick et le film des Dardennes, le contexte jouant un rôle certain, qu’il est appréciable de choper cette bouée de sauvetage légère et bien mis en scène, même si l’on note de nombreuses réserves (redondance, rythme irrégulier, caméra mal placée, scénario jonché d’incohérence). Mais on retient surtout la fraicheur de cette « Belle époque » qui conclue d’une manière idéale ce 72ièmefestival de Cannes pour moi.Sous une pluie ininterrompue, la seule solution était de s’isoler dans les salles noires.
Pas de soleil sur la Rivieira, le bronzage ce sera pour Paris plage. Résultante, 16 films visionnés en moins de 6 jours, quelques déceptions, des confirmations et des surprises. On retient évidemment le film de Terrence Malick, « Une vie cachée »,monument, immense film et chef d’œuvre déclaré et « J’ai perdu mon corps »,la sensation et surprise du festival, film d’animation de Jeremy Clapin qui a bouleversé. Grand favori pour la palme, le film de Pedro Almodovar devrait décrocher la timbale au vu de l’unanimité autour de son auto-biopic détourné, « Douleur et gloire ». Mention spéciale au « Lux Aeterna »de Gaspard Noé et à l’excellent retour en force de Christophe Honoré et sa « Chambre 212 ».La compétition elle se prolonge avec les mastodontes Tarantino, Kechiche, Bong Jang-Hoo et Dolan. La réponse, c’est samedi et la découverte du palmarès de ce festival de Cannes
